Brice Marden, quien rejuveneció la pintura en la década de 1960, muere a los 84 años

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Cuando el arte conceptual, el arte pop y la escultura minimalista estaban en ascenso y muchos decían que la pintura estaba muerta, el Sr. Marden emitió una poderosa contradeclaración.

Por William Grimes

Brice Marden, cuya elegante fusión de minimalismo y expresionismo abstracto en la década de 1960 revivió la pintura y lo estableció como uno de los artistas más admirados e influyentes de su generación, murió el jueves en su casa de Tivoli, Nueva York, en el condado de Dutchess. Tenía 84 años.

La causa fue el cáncer, dijo su esposa, Helen Marden, en un comunicado.

A mediados de la década de 1960, cuando el arte conceptual, el arte pop y la escultura minimalista estaban en ascenso y muchos críticos y artistas declaraban muerta la pintura, Marden emitió una poderosa contradeclaración.

Sus pinturas, expuestas por primera vez en Nueva York en la Galería Bykert en 1966, parecían irreductiblemente minimalistas a primera vista: un sólido campo de color para cada lienzo, en ambiguos tonos grises y verdes, con una franja sin pintar de una pulgada en la parte inferior donde gotea. de pintura se desbordó. Tras una inspección más cercana, las superficies mate, logradas mediante una mezcla de pintura al óleo y cera de abejas licuada, se abrieron para revelar intrincadas capas texturales, aplicadas con pincel y espátula, que reflejaban su preocupación por maestros como Zurbarán, Goya y Cézanne y su total rechazo a la estética impersonal del conceptualismo y el minimalismo.

“Parece que, debido a que las primeras pinturas eran de un solo color, se podría decir un color, sin sentimientos, pero en lugar de ningún sentimiento, todo era este sentimiento”, dijo Marden a la revista Bomb en 1988. “Cada capa era un color, era un sentimiento, un sentimiento que se relacionaba con el sentimiento, el color, la capa debajo de él. Una concentración de sentimientos en capas”.

La respuesta de la crítica fue abrumadora, impulsando a Marden al estrellato en el mundo del arte cuando aún tenía veintitantos años. Hilton Kramer, al revisar la retrospectiva de su obra del Museo Solomon R. Guggenheim en The New York Times en 1975, llamó al Sr. Marden no simplemente un pintor sino el líder de toda una escuela.

"Las revistas de arte siguen su trabajo con mucha atención", escribió. "Los pintores más jóvenes, apenas salidos de la escuela, toman su obra como modelo de la misma manera que sus homólogos alguna vez tomaron las de Willem de Kooning, Jasper Johns y Frank Stella".

Marden mantuvo este estatus exaltado a lo largo de su carrera. En sus cinco pinturas del “Grove Group” de principios y mediados de la década de 1970, inspiradas en los olivos que vio en sus visitas anuales a la isla griega de Hydra, introdujo verdes, marrones y negros modulados en sus lienzos; en la vibrante “Summer Table” (1972-73), introdujo azules palpitantes y un amarillo abrasador. "Después de un verano en Grecia sentí que la luz debería ser más intensa, más clara y menos opaca", escribió en 1973.

En la década de 1980, Marden dio un nuevo giro dramático. Después de ver una exposición de caligrafía japonesa y visitar Asia por primera vez, desarrolló un estilo basado en la caligrafía china, tejiendo bucles y cuerdas de color en redes de líneas superpuestas y entrecruzadas que cubrían lienzos de gran escala. Inicialmente angulares, evolucionaron hasta convertirse en cintas de color sinuosamente elegantes.

La serie “Cold Mountain”, producida entre 1989 y 1991 y basada en los poemas zen del escritor chino Han Shan, personificó su nuevo enfoque, que parecía unir influencias asiáticas con el trabajo lineal de artistas como Piet Mondrian y Jackson Pollock.

A donde llevó Marden, lo siguió su audiencia, al igual que los elogios de la crítica. En 2006 fue objeto de una retrospectiva de su carrera en el Museo de Arte Moderno que dio un sello oficial a su posición como artista importante. Estaba, escribió The Wall Street Journal, “entre el puñado de artistas vivos lo suficientemente establecidos como para ser considerados parte de la historia del arte”. Peter Schjeldahl de The New Yorker lo llamó "el pintor abstracto más profundo de las últimas cuatro décadas".

Nicholas Brice Marden Jr. nació el 15 de octubre de 1938 en Bronxville, Nueva York, y creció en la cercana Briarcliff Manor. Su padre trabajaba para una empresa de servicios hipotecarios. Su madre, Kathryn (Fox) Marden, era ama de casa.

Cuando era adolescente, apareció en las páginas de The New York Times cuando vendió acciones de sí mismo por 5 dólares para financiar un viaje a Texas, prometiendo devolver el capital y los intereses a sus inversores. Regresó rico en experiencia pero con sólo 10 dólares en el bolsillo.

Como estudiante mediocre, se matriculó en Florida Southern College con un interés por el arte que había sido alentado por un amable vecino que le compró una suscripción a Art News. Después de un año se trasladó a la Universidad de Boston, donde pintó autorretratos y naturalezas muertas y, en 1961, obtuvo una licenciatura en Bellas Artes de la Escuela de Bellas Artes y Artes Aplicadas.

Mientras estaba en Boston, se sumergió en la escena de la música folklórica de la ciudad y se casó con Pauline Baez, la hermana mayor de la cantante Joan Baez. El matrimonio terminó en divorcio. Además de Helen Marden, su segunda esposa, le sobreviven un hijo de su primer matrimonio, Nicholas; dos hijas de su segundo matrimonio, Mirabelle y Melia Marden; una hermana menor, Mary Carroll Marden; y dos nietos. Su hermano, Michael, murió en 2010.

Mientras asistía a la escuela de verano de la Universidad de Yale en Norfolk, Connecticut, el Sr. Marden se aventuró en la pintura abstracta. Continuó ese camino en la Escuela de Arte de la Universidad de Yale, donde entre sus compañeros se encontraban los pintores Nancy Graves y Chuck Close y el escultor Richard Serra. . Fue en Yale donde comenzó a trabajar con una paleta apagada y juró lealtad al rectángulo, en un momento en que muchos pintores, en particular Frank Stella, comenzaban a utilizar lienzos con formas.

“Tenía toda esta idea, especialmente con las pinturas monocromáticas, de que podías obtener exactamente el color perfecto y correcto para esa forma, y ​​si lo hacías, si realmente lo hacías bien, digamos, si tenías una forma absolutamente correcta, Dios sabe. lo que la pintura era capaz de hacer”, le dijo a Harry Cooper, curador de la Galería Nacional de Arte en Washington, durante una visita al estudio en 2009. Al mismo tiempo, muchos de sus títulos, que se refieren a personas, lugares o eventos, invocó un mundo más allá del marco de la pintura.

Después de obtener una maestría en bellas artes en 1963, el Sr. Marden se mudó a Nueva York. Encontró un trabajo a tiempo parcial en Chiron Press, una tienda de serigrafía, donde trabajó en el primer cartel de “Love” de Robert Indiana. Fue contratado como guardia en el Museo Judío, donde una exposición de Jasper Johns influyó mucho en sus ideas sobre el tacto, la superficie y la abstracción. Posteriormente trabajó como asistente de estudio para Robert Rauschenberg.

Sus primeros paneles monocromáticos se exhibieron en 1964 en Swarthmore College y, poco después, en la Bykert Gallery. “La gente decía que la pintura estaba muerta. Y esta era mi manera de pensar, bueno, hay cosas que no se han hecho”, le dijo al Sr. Cooper de la Galería Nacional.

En 1968 comenzó a unir sus paneles de dos en dos y luego de tres en tres, como en el cuadro final del “Grove Group” y en la serie “Rojo, Amarillo, Azul” de 1974. La pintura monocromática alcanzó una especie de apoteosis en el “ Anunciación” de 1978, cinco obras de tres paneles en colores primarios que aluden a los cinco estados mentales experimentados por la Virgen María después de que el arcángel Gabriel le dijera que iba a dar a luz al hijo de Dios. John Russell de The New York Times calificó la serie como "uno de los grandes diseños más ricos, claros y realizados de nuestro siglo".

A principios de la década de 1980, cuando neoexpresionistas como Julian Schnabel trajeron turbulencia y dramatismo a la pintura, Marden comenzó a buscar un nuevo lenguaje. "Llegué a sentir que mi trabajo había llegado a un punto en el que estaba demasiado preocupado por refinar un concepto", dijo a Art in America en 1987. En una entrevista con la revista Flash Art en 1990, dijo que se enfrentaba a una "muerte creativa silenciosa". .”

Un largo viaje a Sri Lanka y la India despertó su interés por las artes de Asia, reforzado por una exposición en la Japan House y la Asia Society de Nueva York, “Maestros de la caligrafía japonesa”. Se embarcó en una serie de pinturas y dibujos utilizando un pincel de mango largo o ramitas largas para crear obras caligráficas y gestuales que se convirtieron en la firma de su carrera posterior. La estructura de la caligrafía china, le dijo al Sr. Cooper, era "básicamente como una cuadrícula, por lo que no estaba tan alejada de lo que ya estaba haciendo".

Las formas de andamios de pinturas como “Diptych” (1986) y “Untitled No. 3” (1986-87), con sus ecos de Cézanne y el cubismo, se aflojaron en los ritmos en bucle de la serie “Cold Mountain”, su obra de mayor escala. obras hasta la fecha, con su maraña orquestada de líneas en negro y marrón, o colores primarios asertivos, sobre fondos pálidos.

En la serie “Red Rock”, realizada entre 2000 y 2002, Marden empleó colores vibrantes, como lo hizo en su serie “Grove Group”; También simplificó sus líneas, con un efecto sorprendente. Redoblando su apuesta, adoptó el mismo enfoque para una serie de obras de seis paneles, en una escala aún mayor, llamada "El jardín propicio de la imagen plana".

Además de su casa en Tivoli, Marden mantenía casas y estudios en Manhattan; Eagles Mere, Pensilvania; e Hidra. En 2017 se enteró de que tenía cáncer, un diagnóstico que no frenó ni su producción ni su apretada agenda de exposiciones. El otoño siguiente, el “Sutra del musgo con las estaciones”, de cinco paneles, que llevaba cinco años de elaboración, se instaló en su propia capilla del Museo Glenstone en Potomac, Maryland. Fue el encargo más grande de su carrera.

“Pinto porque es mi trabajo”, le dijo Marden al documentalista Edgar B. Howard en 1976. “Y pinto porque creo que es la mejor manera de pasar mi tiempo como ser humano. Pinto para mí. Pinto para mi esposa. Y pinto para cualquiera que esté dispuesto a verlo”.

Maia Coleman contribuyó con el reportaje.

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