Las 10 mejores películas de acción animadas de todos los tiempos

¡Los dibujos animados son increíbles! ¡Las películas de acción son increíbles! Pero ¿qué pasa con los dibujos animados que también son películas de acción? ¡El mejor! Pero, ¿cómo diablos se reduce una categoría tan amplia a sólo 10? Gran pregunta, y he estado tratando de resolverla yo mismo. Y esto es lo que obtuve: estas son las 10 mejores películas de acción animadas de todos los tiempos, o al menos una lista no definitiva pero cuidadosamente seleccionada de 10 películas de acción animadas dignas de su atención, sin ningún orden en particular.

En un nivel literal, la idea de acción animada es básicamente redundante: la acción está animada y la animación está activa. Pero por el bien de esta lista, limitémosla a las películas, como en los largometrajes, con una cantidad sustancial de cosas emocionantes y de ritmo rápido que suceden gracias a la magia de la animación.

Ah, y dejemos algo de lado: esta lista podría, y dependiendo de a quién le preguntes, probablemente debería ser anime 100% japonés. En Occidente, gran parte de la industria del entretenimiento ha operado bajo el supuesto de que la animación es para niños y que las películas de acción son violentas, y dado que los niños no deberían ver cosas violentas, no hay razón para hacer películas de acción animadas - y obviamente, eso es no es verdad. Entonces, sí, Akira y la Princesa Mononoke y Ghost in the Shell están en esta lista, pero quería adoptar un enfoque más variado aquí.

A pesar de que “caricatura” puede referirse a ilustraciones secuenciales en una página impresa o en forma animada, la mayoría de las “películas de cómics” siguen la ruta de acción real. A lo largo de los años, bastantes películas han emulado varios estilos de cómics: Warren Beatty aumentó la saturación en Dick Tracy para capturar esa vibra vintage de papel de periódico de cuatro colores, mientras que Robert Rodríguez hizo lo contrario con Sin City, imitando las tintas monocromáticas de alto contraste de Frank Miller. Para Scott Pilgrim vs. the World, Edgar Wright seleccionó cuidadosamente las burbujas de pensamiento. , líneas de velocidad y efectos de sonido visibles del exitoso manga canadiense de Bryan Lee O'Malley. Sin embargo, una película los avergüenza a todos: Spider-Man: Into the Spider-Verse.

Esta película tomó el medio naturalmente cinético de la animación e inyectó en cada cuadro el estilo visual que hizo que los superhéroes cobraran vida en la página impresa en primer lugar; Parece que Into the Spider-Verse fue bombardeado con rayos cómicos... o mordido por un cómic radiactivo, aunque eso no suena tan inteligente.

Si Spider-Verse hubiera tenido un estilo artístico más convencional, aún habría sido excelente: teje hábilmente una historia convincente que involucra el multiverso, múltiples héroes y un puñado de villanos remezclados. Las películas de superhéroes han luchado por hacer esto utilizando personajes bien establecidos, pero Spider-Verse lo hizo al mismo tiempo que presentaba (y hacía entrañable) al público un Spider-Man completamente nuevo en Miles Morales. Es extremadamente raro encontrar una película que salte con tanta gracia entre estar llena de acción, ser triste, sincera y divertida a carcajadas sin vacilar o fracasar por completo. Pero Into the Spider-Verse no solo saltó entre dimensiones narrativamente, también lo hizo visualmente, borrando las líneas entre la animación 2D y 3D para crear algo con una apariencia verdaderamente distinta.

Toy Story, el primer largometraje animado por computadora, revolucionó la industria de la animación con solo un sombrero de vaquero cuidadosamente renderizado. Casi 30 años después, incluso los puristas más acérrimos de la animación celular en 2D tienen que admitir que CG ha superado sus incómodos años de adolescencia, pero también parece que se ha estancado en cierto sentido. La animación por computadora es capaz de prácticamente cualquier cosa, pero por un momento pareció que la mayoría de los estudios iban a lo seguro, incluido Pixar.

Afortunadamente, el giro de Sony Pictures Animation sobre el icónico trepamuros parecía ser el mordisco en el brazo que el medio necesitaba. La continuación del estudio, The Mitchells vs. the Machines, fue igualmente dinámica, aunque más convencional, y El gato con botas: El último deseo de Dreamworks le dio al compañero de Shrek una nueva capa de pintura. Al otro lado del Pacífico, Dragon Ball Super: Super Hero tomó la ruta 3D CGI. Esta fue una elección controvertida, dado que las 20 apariciones anteriores de Goku en películas y 639 programas de televisión mantuvieron las cosas convencionalmente planas. La nueva apariencia molestó a algunos fanáticos, pero también permitió algunas escenas de lucha fenomenales y sombreados más sutiles que recordaban las portadas de manga de Akira Toriyama.

Actualmente esperando en las sombras, Teenage Mutant Ninja Turtles: Mutant Mayhem de Nickelodeon parece ser partes iguales de Eastman y Laird y garabatos de cuaderno de octavo grado. Lo mejor de todo es que Spider-Man: Across the Spider-Verse tendrá a Mile Morales regresando a múltiples dimensiones, cada una con su propio estilo artístico único... y esa es solo la primera de dos secuelas anunciadas.

Es sorprendente que no haya habido más películas animadas de superhéroes. Into the Spider-Verse fue solo la segunda película animada de Marvel que llegó a los cines, después de Big Hero 6. A DC le fue un poco mejor, con Batman: Mask of the Phantasm y, más recientemente, The LEGO Batman Movie y Teen Titans GO. Al cine, pero eso es patético en comparación con la cantidad de adaptaciones de cómics de acción real que hemos recibido. Esperamos que las secuelas de Spider-Verse abran el camino para más.

¿Qué constituye la acción real en este momento? Teniendo en cuenta la cantidad de CGI que hay en una película taquillera promedio del siglo XXI, muchas de ellas son básicamente características animadas con un toque de carne y sangre. Por otra parte, va en ambos sentidos. Gracias a la tecnología de captura de actuaciones, hemos visto actores humanos interpretando físicamente el papel de personajes animados. Una de las mejores películas de acción que adopta este enfoque es una película de palomitas de maíz frustrantemente subestimada que no habría sido tan divertida en una película de acción real convencional.Las aventuras de Tintin.

Incluir esta película en esta lista podría sorprender a algunos, pero escúchenme: la adaptación de Steven Spielberg de 2011 de los queridos cómics belgas podría haber tenido un pie en la acción real, y su elenco CGI casi realista podría posarse precariamente en la pendiente de el valle inquietante, pero también es una demostración perfecta de cuánto más alto es el techo animado para el espectáculo en comparación con la acción en vivo. Además, muestra cómo el estilo visual correcto puede ayudar cuando se trata de suspender la incredulidad.

Hay un universo en el que Spielberg decidió rodar la película de Tintín en acción real, pero también hay uno en el que se rieron de la sala por escenas de acción exageradas que dependían demasiado del CGI, ya sabes, algo así como Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal, que fue el proyecto del director inmediatamente anterior a Tintín.

Afortunadamente, tenemos un Tintín animado, y en ningún momento parece "poco realista", porque en ningún momento antepone la credibilidad a la diversión. En cambio, se apoya en gran medida en la caricatura de los cómics originales. La película podría haberse beneficiado de que los personajes humanos se representaran con un detalle un poco menos realista, pero en su mayoría se leen como caricaturas: aproximaciones exageradas de personas, en lugar de seres humanos reales. Ya sabes, personajes de dibujos animados. La película comienza literalmente con Tintín dibujando su caricatura por un artista callejero.

Nadie se inmuta cuando un personaje de dibujos animados pone en marcha el chisporroteante motor de un avión eructando aliento de whisky en el tanque de gasolina, o cuando dos personajes de dibujos animados se enfrentan en duelo con enormes grúas de carga, sino una persona real columpiándose en enredaderas con monos CGI o sobreviviendo a una explosión nuclear. en el frigorífico es un poco más difícil de vender. Realmente, Las aventuras de Tintin es un argumento sólido para una película animada de Indiana Jones y, al menos, es una muy buena película de acción que traduce con éxito el encanto de un querido cómic a un nuevo medio mientras intenta cosas nuevas y ambiciosas con una cinematografía revolucionaria. tecnología.

Ahora, si tan sólo pudiéramos conseguir los otros dos tercios de la trilogía de Tintín que supuestamente estaban en proceso. Quiero ver a ese chico reportero y a su amigo borracho en la luna o en el fondo del océano.

Las películas de acción modernas de Hollywood probablemente no serían lo que son hoy sin la influencia de Matrix, y Matrix no existiría sin una gran influencia de la que es sin duda una de las mejores películas de anime jamás realizadas: Ghost in the Shell.

Ghost in the Shell, la película, es una intersección sublime de estilo y sustancia. El manga del mismo nombre fue escrito e ilustrado por Masamune Shirow, cuyas imágenes, con el debido respeto, superan considerablemente su narración, literalmente. Ha publicado muchos más libros de arte que manga narrativo. Y sé que los libros de arte son más pesados ​​porque están impresos en mejor papel, pero trabaja conmigo aquí.

El manga Ghost in the Shell tiene algunas ilustraciones cyberpunk hiperdetalladas y técnicamente complejas, pero periódicamente cae en una comedia cómica. Este tipo de elasticidad tonal no es infrecuente en el manga o el anime, pero una de las razones por las que la película Ghost in the Shell es tan apreciada es su gran compromiso con el realismo en cada fotograma.

Por ejemplo, tomemos la batalla de Kusanagi con Tachikoma: un cyborg sexy luchando contra un tanque araña robótico gigante es un concepto de Anime-Ass tan capital que casi se esperan algunas líneas de velocidad, tomas de acción de fotograma congelado y efectos de destellos de lentes atractivos. pero toda la pelea tiene el peso de la secuencia de acrobacias más práctica de la vida real. Muchas balas, escombros y chispas vuelan por todas partes, pero si miras de cerca, las chispas solo vuelan cuando las balas rebotan en las superficies metálicas.

Esta atención al detalle se distribuye uniformemente a lo largo de la película, hasta los créditos, y si tomas los fotogramas correctos, esas cadenas de números que parpadean en realidad se traducen en los nombres que se muestran en la pantalla, lo que probablemente fue una gran cantidad de trabajar para algo que nadie realmente notó. Mientras tanto, el código de The Matrix supuestamente está improvisado a partir de un texto aleatorio que el diseñador de producción extrajo de uno de los libros de cocina japoneses de su esposa.

Es fácil señalar a Ghost in the Shell como prueba de que la animación celular es buena y el CGI es malo, pero la película hizo un uso intensivo de la última tecnología para ciertas secuencias, pero siempre como una herramienta en lugar de una muleta: ciertas tomas fueron manipuladas digitalmente. para imitar sutilmente la distorsión que crea la lente de una cámara. Además, la película gira en torno a la intersección de la humanidad y la tecnología, por lo que es difícil pensar en una película más adecuada para jugar con el equilibrio entre la animación digital y analógica.

Irónicamente, la nueva versión de acción real de Ghost in the Shell, protagonizada por humanos reales, carecía por completo de humanidad. Estuvo a la altura de su homónimo en todos los aspectos equivocados. A pesar de recrear fielmente varias escenas icónicas y presentar algunos efectos visuales técnicamente sólidos, no hizo nada para justificar su propia existencia. Mientras que el anime añadió dimensión al manga, la versión de acción real llegaba hasta los tobillos como un callejón inundado de Hong Kong, lo que demuestra cómo la película original es mayor que la suma de sus partes.

El hecho de que la animación sea vista como un medio de segunda clase frente al cine de acción real es especialmente exasperante si se tiene en cuenta que los dibujos animados fueron las primeras películas, y tomaron la forma de fenaquistoscopios y zoótropos mucho antes de que Edison reclamara el kinetógrafo.

La captura de actuaciones, del tipo digital con monos cubiertos de pelotas de ping pong y triángulos, es una nueva tecnología. Sin embargo, el principio subyacente de utilizar movimientos humanos reales como base para la animación no lo es. Tiene muchas similitudes con la rotoscopia, donde se trazan actuaciones de acción real para crear animaciones con movimientos especialmente realistas. Si bien puede parecer tomar atajos, podría decirse que es más trabajo que simplemente filmar una película o simplemente animar una caricatura, ya que básicamente tienes que filmar una película completa y luego dibujar cada fotograma de ella. ¿Por qué no mantenerlo en acción en vivo? Mi ejemplo favorito de esto es Fuego y Hielo..

Fuego y hielo, la colaboración de fantasía épica de Ralph Bakshi con el legendario pintor Frank Frazetta, fácilmente podría haber recibido el tratamiento de acción real. Después de todo, Frazetta se hizo un nombre con las portadas de las novelas de Conan el Bárbaro, y Conan de acción real conquistó la pantalla grande un año antes del lanzamiento de Fuego y Hielo. En cambio, obtuvimos una función animada que parecía un cruce entre una caricatura de Hanna-Barbera y la portada de un álbum de Manowar. Yo... en realidad lo dije en el buen sentido.

La historia tiene la misma lúgubre neblina de tantas películas de fantasía de los 80, y la animación no es exactamente impresionante, por lo que no es sorprendente que rara vez se la llame un clásico sin la advertencia de "culto", pero sigue siendo un enfoque fascinantemente ambicioso para la realización cinematográfica. Sin embargo, esta no fue la primera incursión de Bakshi en la fantasía épica. Unos años antes de Fuego y Hielo, adoptó un enfoque rotoscópico similar a El Señor de los Anillos. Era mucho menos cohesivo visualmente, y a menudo eliminaba por completo la animación en favor de secuencias de acción en vivo estilizadas y granuladas. Parte de la razón por la que sentí la necesidad de mencionar Fire and Ice específicamente, aparte de que es metal como una mierda, es como un guiño a Ralph Bakshi. Sus éxitos de culto con clasificación X como Fritz the Cat y Heavy Traffic no son películas de acción ni mucho menos, pero allanaron el camino para muchas otras cosas en esta lista al demostrar que los dibujos animados no eran solo para niños.

De la misma manera que Into the Spider-Verse se siente tan auténticamente como hojear un cómic de superhéroes, hay otra pieza de animación que parece haber surgido de las páginas misteriosamente pegajosas de otro periódico icónico: Heavy Metal.

Al igual que la revista del mismo nombre, Heavy Metal es una antología de viñetas presentadas en estéticas y tonos sorprendentemente diferentes. El hilo conductor es un villano todopoderoso/McGuffin de otro mundo, el Loc-Nar, que se encuentra en algún lugar entre el Anillo Único y el maletero de ese Chevy Malibu de Repo Man.

En lugar de adaptaciones directas de historias existentes, la película es principalmente una mezcolanza de ideas y elementos extraídos de todos los temas de Heavy Metal. La revista en sí era una especie de remezcla de otra publicación que ya era: Metal Hurlant, que había sido cofundada por el enormemente influyente dibujante de cómics Jean Giraud, también conocido como Moebius.

National Lampoon llegó a un acuerdo para publicar Metal Hurlant en Estados Unidos. Como era de esperar, una revista llena de dibujos animados de piqueros era más atrevida en Estados Unidos que en Francia, por lo que el Heavy Metal encontró su hogar entre las revistas sucias y no entre los estantes de cómics habituales. Oportunamente, la película fue producida por Ivan Reitman, cuyo gran éxito había sido Animal House de National Lampoon, y probablemente esa sea la razón por la que Heavy Metal tiene un tono tan estridente y obsceno. Ya sabes, camioneros alienígenas con las voces de Harold Ramis y Eugene Levy aspirando cocaína espacial porque están desanimados porque la voluptuosa mujer terrícola decidió que quería follar al robot John Candy en lugar de a ellos. Drogas sexuales y rock and roll, no necesariamente en ese orden.

Si la película hubiera sido una producción francesa basada en Metal Hurlant, probablemente habría tenido un tono muy diferente: si Moebius hubiera estado involucrado, podría haberse parecido más a Planeta Fantástico, y supongo que habría tenido una banda sonora de ensueño. de Tangerine Dream o Vangelis en lugar de gotas de aguja de las caras B de Blue Öyster Cult y Cheap Trick.

El Heavy Metal no existiría sin Moebius y tampoco Alien o Blade Runner. Entre otras cosas, el artista proporcionó arte conceptual original para el horror espacial de Ridley Scott que define el género. Mientras hacía su seguimiento, Blade Runner, Scott se refirió a los paisajes urbanos distópicos de Moebius como planos semiliterales.

Es una locura pensar que el año antes de que Blade Runner llevara a los cinéfilos a Los Ángeles de 2019, Heavy Metal les dio un recorrido por Manhattan de 2031. Detenme si has escuchado esto: el mundo de un brusco taxista de Nueva York se pone patas arriba cuando una hermosa pelirroja ligera de ropa cae en la parte trasera de su taxi, y pronto queda atrapado en una red de intriga. Bien, esa es una configuración típica de cine negro, pero el segmento de Harry Canyon de Heavy Metal también es ritmo por ritmo de El Quinto Elemento, narrativamente, pero aún más visualmente.

El Quinto Elemento se basa en algunas obras de Moebius, a saber, El largo mañana y El Incal. De hecho, Moebius intentó demandar a Luc Besson por cuánto se parecía la película a The Incal específicamente, pero eso no funcionó, probablemente porque ya le habían pagado por hacer el trabajo conceptual. Eso no significa que El Quinto Elemento no sea descaradamente derivado, porque lo es. Véase también: El cuarto poder, de Juan Giménez.

Actualmente, la única secuela de Heavy Metal que existe es Heavy Metal 2000 y, lamentablemente, es mucho menos interesante que la secuela que nunca sucedió. A finales de los años, se habló de una nueva película que supuestamente involucraría los talentos de los cineastas James Cameron, Zack Snyder y Gore Verbinski, el destacado metalero Jack Black y el cocreador de las Tortugas Ninja convertido en propietario y editor de la revista Heavy Metal, Kevin Eastman. . El proyecto iba a ser supervisado por el director David Fincher y Tim Miller, cuyo trabajo en trailers CGI en Blur Studios lo convirtió en un candidato ideal.

Lamentablemente, como muchos otros supergrupos de Heavy Metal, este también se disolvió, pero David Fincher y Tim Miller nos dieron uno de los mejores sucesores espirituales del Heavy Metal hasta la fecha: la serie de antología animada original de Netflix Love Death + Robots. Heavy Metal es como el primo tonto y fumeta de algunas de las mejores películas de ciencia ficción jamás realizadas; A primera vista, no tiene casi nada en común con Alien y Blade Runner, pero están relacionados. No se puede subestimar la influencia del Heavy Metal, la revista y la película. Al igual que el trabajo de Ralph Bakshi, Heavy Metal es parcialmente responsable de sentar las bases para la llegada del anime a Occidente.

Pero, por supuesto, es posible que el anime nunca hubiera explotado si ese trabajo preliminar no se hubiera vaporizado instantáneamente con la llegada de...

Akira, en el momento de su producción, era el largometraje de animación más caro jamás producido y es el único responsable de hacer del anime el fenómeno global que es hoy. Podría sentarme aquí hablando efusivamente de lo singularmente brillante que es este medio de comunicación, y de cómo los animadores literalmente tuvieron que inventar una nueva paleta de colores para darle vida, o de cómo prácticamente cada fotograma está repleto de detalles y, si lo miras, en 4K puedes identificar los tipos de licor detrás de la barra o los álbumes en la máquina de discos... Pero centrémonos en lo que Akira es al pie de la letra: una increíble película de acción que resulta ser animada.

La trama de la película podría describirse como maníaca, lo cual no es sorprendente si se tiene en cuenta que el manga que la inspiró tiene la friolera de 2000 páginas. La película adapta principalmente los dos primeros volúmenes, eliminando casi imprudentemente una gran cantidad de desarrollo de personajes e información contextual. Pero lo hace de manera agresiva, aparentemente priorizando la acción. En la película, los personajes que tienen arcos argumentales completos en el manga son brutalmente eliminados en la pantalla sin pronunciar una sola línea, casi como si los estuvieran arrojando de un vehículo en movimiento para que pueda ir más rápido. Esto podría parecer una afrenta al material original, si no fuera por el hecho de que Katsuhiro Otomo, el artista y escritor del manga, también dirigió la película. En cambio, la película se siente como un artista que realmente aprovecha al máximo un medio diferente. Ninguna cantidad de líneas de velocidad puede transmitir una sensación de velocidad como la de algo que realmente se mueve muy rápido y, a pesar de sus mejores esfuerzos, los efectos de sonido en una página impresa son silenciosos.

La película, por supuesto, es todo menos muda, y sus imágenes se ven realzadas por la impresionante banda sonora. Otomo no sólo tenía una idea clara de cómo era el Tokio futurista, sino que también sabía cómo debía sonar, o al menos tenía a la gente adecuada para el trabajo. La partitura de Akira fue proporcionada por Geinoh Yamashirogumi, un colectivo musical formado por cientos de miembros de una amplia gama de orígenes, cuyas actuaciones integraron elementos de la música folclórica antigua con tecnología e influencias modernas. El resultado final es algo que suena a la vez tribal y futurista, totalmente de otro mundo, tan apropiado para bandas de motociclistas que se pelean por el territorio como para un cataclismo apocalíptico.

Al igual que Blade Runner, la visión del futuro de Akira es tan profundamente influyente que parece que se le rinde homenaje con más frecuencia de la que se toma prestado. El llamado "Akira Slide" se ha convertido para los animadores en lo que el Grito de Wilhelm es para los diseñadores de sonido, y el icónico derrape de Kaneda se ha repetido decenas de veces, no sólo en anime y dibujos animados de acción, o incluso solo con vehículos de dos ruedas. Vehículos: aparece en todo, desde Pokémon hasta Paw Patrol. Recibió el visto bueno de Pixar en Luca, y Jordan Peele incluso le dio el tratamiento de acción real en Nope, que también fue lo que dijo cuando se le acercó para dirigir la película de acción real de Akira que ha estado dando vueltas en Hollywood desde que yo era un estudiante de segundo año. en el Instituto.

Hablando de años de formación incómodos, desde principios hasta mediados de los 90, el anime comenzó a llegar a la corriente principal desde las turbias profundidades de tiendas como Suncoast Video y Tower Records. Allí, normalmente encontrarías un estante con algo llamado "Japanimation", una pared de cintas misteriosas, muchas de las cuales estaban adornadas con frases como "Se sugiere asesoramiento para los padres" o "Para audiencias maduras". Por supuesto, esto los hizo aún más atractivos para la floreciente comunidad proto-weeaboo. En retrospectiva, muchas de las películas que se alineaban en estos estantes son hilarantemente malas, e incluso aparte del listón dolorosamente bajo para el doblaje en inglés en ese momento, es evidente que muchos distribuidores estadounidenses estaban adquiriendo los derechos de cualquier película de la era de la burbuja. OVA que tenía suficiente sangre y tetas para merecer la etiqueta "ADULTO", pero hubo muchas excepciones. Akira y Ghost in the Shell son películas destacadas por derecho propio, anime o no, pero si hay una película que se siente especialmente representativa del espíritu de la época del anime temprano, es Ninja Scroll.

Una historia feudal japonesa de fantasía oscura en esencia, su escenario y trama son secundarios a su estilo, y rezuma absolutamente estilo. De acuerdo, tal vez chorros sea una mejor palabra, pero de todos modos, sus escenas de lucha son brutales, gratificantemente espantosas y, lo mejor de todo, imaginativas. En comparación con una película de artes marciales de acción real, las posibilidades de una película animada son prácticamente ilimitadas, y Ninja Scroll traspasa esos límites.

Ninja Scroll es una creación de Yoshiaki Kawajiri, y todo lo que acabo de decir también se aplica a sus otros trabajos como Vampire Hunter D, Wicked City y Demon City Shinjuku, todos los cuales cuentan con niveles comparables de temas explotadores y estéticamente agradables. Por más encantador que sea cuando se utiliza la animación para retratar la belleza de la naturaleza y los matices sutiles de personajes complejos, a veces solo quieres una buena película de anime a la antigua usanza con peleas ultraviolentas, monstruos asquerosos y tal vez algo sexy. damas y/o chicos.

El cascarrabias padrino de la animación japonesa, Hayao Miyazaki, ha tenido duras palabras sobre los tropos más omnipresentes en el anime, y su trabajo generalmente vira en una dirección no violenta. Muchas de sus películas logran tener conflictos sin un villano convencional. En Mi vecino Totoro, el malo es la tuberculosis o la cabra que intenta comerse el maíz de Mai.

Dicho esto, cuando Miyazaki decide actuar en el frente de acción, no decepciona. Su debut como director, El castillo de Cogliostro, estableció un listón muy alto para las numerosas adaptaciones de Lupin III que le siguieron. Su obra maestra post-apocalíptica, Nausicaa: El Valle del Viento, es una epopeya en sí misma, tanto como manga de 1100 páginas que él mismo escribió y dibujó, como como adaptación cinematográfica que dirigió. Ah, y un dato curioso: Miyazaki era tan buen amigo de Moebius que el artista francés llamó a su hija Nausicaa. Quizás Miyazaki tenga una tortuga de caja llamada Arzach o algo así. Pero en términos de acción, el mejor trabajo de Studio Ghibli es La princesa Mononoke.

Una epopeya de fantasía visualmente asombrosa ambientada en el período Muromachi de Japón, tiene temas similares a muchas de las otras películas de Miyazaki, desde personajes humanos creíbles yuxtapuestos con folklore caprichoso hasta una adoración palpable de la naturaleza, desde la brizna de hierba más pequeña hasta cada nube que cruza el estudio perfecto. Cielo azul de Ghibli. Pero La princesa Mononoke también está repleta de intensas escenas de lucha, batallas épicas y algunos momentos realmente espantosos. Es raro encontrar una película que logre tanto equilibrio entre belleza y terror.

Como anécdota, vale la pena señalar que la princesa Mononoke parece haber sido una influencia bastante importante en algunos de los mejores videojuegos jamás creados. The Legend of Zelda: Breath of the Wild se reveló con un héroe con una túnica azul luchando contra una monstruosidad con tentáculos a caballo, y los jabalíes corruptos son un problema común. Los espíritus del árbol Kodama son probablemente primos lejanos de los innumerables Koroks de Hyrule y, por supuesto, Tears of the Kingdom hace que Link obtenga nuevos poderes de su antebrazo poseído.

Torrent, la firme y mágica montura de Elden Ring, es una viva imagen de Yakul, el alce rojo, y la Bestia de Elden tiene un ADN mitológico bioluminiscente muy similar a la forma final del Espíritu del Bosque. Todo esto podría ser una coincidencia, como el hecho de que Elden Ring esté dirigido por un Miyazaki diferente (Hidetaka, sin parentesco) o podría ser un testimonio del gran impacto cultural que tuvo la película de Hayao Miyazaki.

La princesa Mononoke se siente como una pieza de animación especialmente importante porque vio al anime pasar de algo en la esquina trasera de Suncoast Video a algo a la vanguardia de la cultura pop dominante. En parte, esto se debe a que sus creadores tuvieron cierta supervisión en su distribución occidental.

Según cuenta la leyenda, el productor de Hollywood Harvey Weinstein se reunió con Hayao Miyazaki para discutir el estreno de la película en Estados Unidos y procedió a bombardear al animador con demandas para que hiciera cambios para atender al público estadounidense. En respuesta, el cofundador de Studio Ghibli, Toshio Suzuki, le regaló a Weinstein una réplica de una espada samurái. Mientras se lo presentaba en una sala llena de miembros de la junta directiva de Miramax, dijo en voz alta: “NO HAY CORTES”. La moraleja de la historia: Totoro y Ponyo pueden desmentir una conducta cariñosa por parte de Miyazaki y compañía, pero la princesa Mononoke y amenazar a Harvey Weinstein con una katana es una prueba de que Studio Ghibli no se anda con rodeos.

En la cultura pop, el término “acción” suele ser sinónimo de violencia, ya sean peleas con espadas, tiroteos, explosiones, puñetazos, etc., pero también está la velocidad, que es posiblemente la forma más pura de acción en el cine. "El caballo en movimiento" de Edward Muybridge es posiblemente la primera película jamás realizada y transmite una sensación de velocidad. Era solo un tipo montando a caballo, pero es un viaje emocionante y continuo en comparación con algunos de sus contemporáneos más soñolientos, que incluían imágenes de telescopio del planeta Venus y personas blancas tratando de bailar en un jardín.

La velocidad es divertida de ver y las persecuciones de coches son prácticamente omnipresentes en las películas de acción. Desde los primeros ejemplos como Bullitt y The French Connection hasta los modernos consumidores de gasolina como Mad Max: Fury Road, así como la prolífica y literalmente titulada franquicia Fast, las persecuciones de autos claramente no van a ninguna parte... Quiero decir, sí, de lo contrario los autos no irían a ninguna parte. Estar estacionario, pero entiendes la idea.

Una persecución de autos no necesariamente tiene que tener autos, o incluso que se persigan entre sí; solo necesita un montón de cosas que se muevan rápido en la misma dirección, como la Pod Race de The Phantom Menace, por ejemplo. La velocidad brilla especialmente en la animación, ya sea en la cómica e infructuosa cruzada de Wile Etherbert Coyote para asesinar a ese maldito Road Runner, o en el hecho de que Speed ​​Racer esté a la altura de su homónimo que informa su carrera al correr... rápidamente. Si combinaras todos los ejemplos de acción increíble de alta velocidad que acabo de nombrar, tendrías Redline.

El debut cinematográfico de Takeshi Koike en 2009 muestra cómo se ve cuando la animación, si se me permite la expresión, funciona a toda máquina. La acción es tan absurdamente exagerada que la trama se estrella de lleno en el asiento trasero por puro impulso. Se centra en las carreras intergalácticas y la intromisión criminal y las intrigas políticas que ocurren fuera de la pista. La diversión está en el viaje, no en el destino. Entonces, si te decepcionó que la incursión de Fast and Furious al espacio fuera solo una prueba de manejo del Pontiac Fiero, o has estado orando para que Lucasfilm anunciara Watto & Sebulba: A Star Wars Story, esta es tu película. Redline es una obra maestra absolutamente loca.

Ya que estamos en el tema, aquí hay un detalle increíblemente esotérico que necesito dejar en el éter: uno de los autos de los personajes principales se parece al arte conceptual no utilizado de HR Giger para el Batimóvil Batman Forever, que normalmente escribiría. Esto sería una coincidencia si no fuera por el hecho de que ella usa ese auto para sacar a otro auto de la carretera, lo que sin duda es un guiño al Batimóvil de 1995. ¿También? Takeshi Koiki contribuyó con uno de los mejores cortos de la antología Batman-ime, Gotham Knight.

Lo menos rápido de Redline fueron los siete años que tardó en realizarse. Producido por Madhouse, el estudio que nos dio Ninja Scroll, una de las principales razones por las que es tan ridículamente divertido de ver es que está predominantemente dibujado a mano. Se necesitaron más de 100.000 celdas, junto con técnicas digitales modernas, para crear Redline. Entonces, por supuesto, después de todo ese trabajo, fue un fracaso comercial. Por eso no podemos tener cosas bonitas.

Ya se ha dicho bastante sobre cuánto revolucionó el uso de la animación por computadora por parte de Pixar toda la industria de la animación y le dio a Disney la oportunidad de competir por su dinero. Er, lo habría hecho si Disney no hubiera adquirido la compañía de inmediato. Generalmente, las películas de Pixar tienen un gancho simple y de alto concepto, como ¿qué pasaría si los juguetes cobraran vida cuando nadie los mira? o ¿qué pasaría si los peces fueran padres negligentes? o ¿qué pasaría si una película con un perro que habla hiciera llorar incontrolablemente a hombres adultos? Pero la primera película de superhéroes del estudio. es lo que le otorga un lugar en esta lista, conLos Increíbles.

Los Increíbles llegaron en un momento en el que no teníamos uno nuevo cada 10 minutos, y sigue siendo difícil de superar. Hasta el día de hoy, sostengo que esta es la mejor película de Watchmen y la mejor película de los Cuatro Fantásticos que hemos tenido, que explora el lado humano vulnerable de una familia con superpoderes en una sociedad donde la lucha contra el crimen está prohibida.

Puede que no tenga a Rorschach mutilando a un tipo con aceite de freidora, pero sus secuencias de acción están a la par de cualquier película de capa de gran éxito de taquilla; en muchos casos, eclipsándolas, porque a pesar de ser 100% CGI, cada movimiento minúsculo en Los Increíbles tiene peso a ello. Incluso los momentos mundanos están deliberadamente coreografiados con un nivel de realismo palpable, que a su vez vende los espectáculos más grandiosos. La pelea de Bob Parr con su sedán económico es una gran viñeta de payasada, que yuxtapone cómicamente sus superpoderes contra una frustración muy mortal, pero también establece cuán fuerte es en relación con objetos con los que todos estamos familiarizados, así que cuando está dando una paliza de un robot gigante, tiene gravedad. Los Increíbles es sorprendentemente creíble.

La mala acción de superhéroes tiende a sentirse como un niño golpeando un par de figuras de acción para hacerlos pelear, por lo que no es sorprendente que el estudio que descubrió cómo darle vida a los juguetes también pudiera hacer una sólida película familiar que también tuvo una buena cantidad de secuencias de acción hábilmente coreografiadas. Tampoco sorprende que el director de Los Increíbles, Brad Bird, haya podido aplicar su talento para secuencias trepidantes y escenarios impresionantes a la acción en vivo en Misión: Imposible - Protocolo Fantasma, marcando la llegada de esa serie como la exitosa megafranquicia de palomitas de maíz que es hoy. Aún así, las acrobacias más elaboradas y potencialmente suicidas de Tom Cruise son geniales, pero nunca serán tan divertidas como los robots gigantes o un bebé con superpoderes.

Y ahí lo tienes, las 10 mejores películas de acción animadas de todos los tiempos, o al menos, una mixtape de grandes éxitos con algunas caras B increíbles en la mezcla, por si acaso. ¿Qué películas añadirías a esta lista? ¡Comparte tus favoritos en los comentarios!