Perspectiva

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El Instituto de Arte de Chicago tiene un montón de serigrafías de Andy Warhol que muestran a Marilyn Monroe. En mi opinión, no todos son igualmente fascinantes. Pero para Warhol, la idea de que pudieran serlo era parte del objetivo.

Lo explicaré.

Si fuiste a una escuela secundaria con un departamento de arte, probablemente sepas cómo funcionan las serigrafías. Es un proceso de varias etapas que generalmente involucra plantillas fotográficas, pintura acrílica, rasquetas, mallas, emulsión fotográfica y tintas de impresión. Es una de las primeras cosas que les enseñan a los niños porque el proceso es muy divertido y porque los estudiantes pueden decir que hicieron su propio Andy Warhol.

A Warhol, que comenzó como ilustrador comercial, le encantaba el aspecto mecanicista y de línea de montaje de las serigrafías. Pero también le encantó el hecho de que, dentro de un proceso repetitivo y diseñado para operaciones comerciales, había mucho espacio para el juego y el azar.

¿Qué colores quedan bien juntos? ¿Los colores se alinean con la imagen? A Warhol le importaba y no le importaba. Esta impresión a cuatro colores es parte de un portafolio de 10 imágenes que Warhol realizó en 1967 utilizando una fotografía publicitaria de 1953 de Marilyn Monroe en la película “Niagara”. Anteriormente había utilizado la misma imagen para obras similares como “Shot Orange Marilyn”, que pertenece a una colección privada pero que ha estado expuesta en el Instituto de Arte de Chicago, y “Shot Sage New Marilyn”, que se vendió recientemente por 195 millones de dólares. un récord de subasta.

Las otras obras del portafolio de 1967 a las que pertenece esta imagen utilizan combinaciones de colores muy diferentes. Pero los tonos Day-Glo acarician, golpean y seducen la vista.

Aún así, el impulso más profundo detrás del proyecto de Warhol, que tuvo una enorme influencia en artistas con inclinaciones más trágicas como Gerhard Richter, es más inquietante. Tiene que ver con reconocer los aspectos arbitrarios de la vida moderna.

Warhol vio que estos cuatro colores son básicamente intercambiables y que, visto a través del lente ideológico dominante de la cultura, esta persona en realidad no era diferente de esa persona o de ese producto comercial o de ese accidente automovilístico.

Si lo deseas, puedes participar en el juego de hacer que esta versión de Marilyn sea más importante que aquella. Por motivos de escasez, tamaño, tamaño o fecha, podrías venderlo por 100 veces el precio de éste. Pero no habrás comprendido el punto.

La cuestión no es que el propio Warhol careciera de importancia. De lo contrario. No puedo pensar en ningún otro artista del siglo XX que esté más en sintonía con el espíritu de la época, ningún otro artista que no sólo resumiera las fuerzas predominantes de su tiempo sino que también viera hacia el futuro.

Pero la importancia de Warhol reside, paradójicamente, en su asombrosa comprensión de las formas en que las fuerzas comerciales y los mecanismos de la publicidad estaban teniendo un efecto de cráter en la idea misma de que ciertas cosas eran más especiales, más importantes que otras.

Esto no se registra automáticamente si pones a una sola Marilyn en el centro de atención en una sala de subastas y comienzas la puja. Lo entiendes cuando ves la misma imagen como una sola en un portafolio, y cuando te das cuenta de que la serie está al nivel de las serigrafías de accidentes automovilísticos y sillas eléctricas de Warhol, y sus Maos, Muhammad Alis y Liza Minellis.

Todas estas imágenes te atraen hacia ellas. Son todos más o menos bonitos. Y muy a menudo son divertidos, del mismo modo que alguien que de repente salta a través de una galería de arte podría serlo: no porque tenga significado sino porque es inesperado, inútilmente alegre.

Pero los Warhol también carecen de fricciones y son igualmente insignificantes. Decir eso no es regañar. Es sólo para registrar el punto filosófico que estaba planteando, que tan fácilmente se pasa por alto.

En el arte, por supuesto, una proposición filosófica (en este caso una afirmación de falta de sentido) a menudo choca con un estilo visual que expresa lo contrario (pura alegría). Ahí es cuando las cosas se ponen interesantes, y es por eso que (casi) nunca me canso de Andy Warhol.

Una serie que presenta las obras favoritas del crítico de arte Sebastian Smee en colecciones permanentes de todo Estados Unidos. “Son cosas que me conmueven. Parte de la diversión es intentar descubrir por qué”.

Edición de fotografías e investigación por Kelsey Ables. Diseño y desarrollo de Joanne Lee, Leo Dominguez y Junne Alcantara.

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